Pop Art Photography: Instantáneas de Star

Pop Art Photography: Instantáneas de Star [version italiana]

Polaroid 635 CL. Supercolor. La joya, una de las numerosas variaciones en plástico de la Polaroid 600 producidas entre los años ochenta y noventa, brota de repente, emerge de un debate sobre los antiguos clientes y las viejas fotografías. Aún dentro de su caja original de cartón, carece de un cartucho, pero casi como nueva y perfectamente viable, y promete nuevos escalones, nuevas instantáneas: en perfecto estilo ‘pop’, por supuesto.

Fotografía y arte Pop. Críticos y escritores muy influyentes calificaron (a menudo sin términos medios y con gran rapidez) la Pop Art como ‘no-arte’ ; la dieron por muerta inmediatamente después de su nacimiento, o se ocultaron a etiquetarla como ‘broma carente de humor, repetida demasiadas veces’. Sin embargo, a pesar de esos críticos de arte, la Pop Art, que salía por un mundo en el que para ser ahogados por los colores y la gráfica bastaba con mirar la televisión o entrar en un supermercado, quedaba (y sigue siendo) una de las formas de arte más… pop’ – populares – en el mundo; un arte que ha tenido éxito y que ha conseguido alcanzar el gran público en un modo difícilmente imaginado hasta ese momento. Un éxito aún no repetido de las formas de arte surgido a ella.

Ningún movimiento artístico internacional que dure más de quince años y espacios en todos los tipos de instrumentos, géneros y media conocidos – desarrollando al mismo tiempo también estilos nuevos y formas de expresión – puede ser resumido en pocas frases o simplemente excluido de la ‘Fine Art’, en la ‘arte bella’. El espacio que tenemos a disposición no permite un análisis completo del movimiento, no es suficiente ni plenamente adaptado; hemos intentado, sin embargo, a enumerar algunos conceptos clave de el Pop Art y a intentar comprender por qué, también para la fotografía, haya sido y es importante, y como ha contribuido a cambiar la percepción que el público tiene de la imagen ayudando a atribuir a las obras fotográficas un valor no sólo cultural, sino también económico, antes considerado nulo o extremadamente bajo.

Antes de todo, ¿qué es el Pop Art? Es en el clima de turbulencia, experimentación y consumismo inglesa que nace, entre la mitad y finales de los años cincuenta, una nueva generación de artistas que en breve tiempo se definen ‘Pop’. Deseo de aquellos artistas es mirar alrededor y extraer inspiración para sus obras en el mundo que les rodea, representando objetos cotidianos, bienes fungibles, fotografía, imágenes de revista, cine y televisión – y, a veces, creando arte directamente por ellos, los nuevos ‘Mass Media’.

Son artistas inspirados, por lo tanto, de las cosas de cada día; artistas que quieren expresarse en forma fuerte.

Lo hacen en forma directa, usando – y atreviéndose – grandes pinceladas, olas de colores primarios a menudo redactados directamente de la hojalata o el tubo de color – con la espátula, con el trapeador (lo hizo Andy Warhol), con todo lo que pasa por sus manos o más en general para su cuerpo: ‘pop’ es también exceso, transgresión, dispiación. El arte, por lo tanto, hecha de cualquier cosa y de cualquier cosa: el Pop Art transforma en arte el mundo moderno con cualquier material y medio estime oportuno.

(‘van Gogh with Mohawk’, Steve Kaufman, copyright American Pop Art Inc) 

Reproducción y experimentación. Los artistas ‘pop’ adopten métodos comerciales de reproducción en serie de sus obras (como la serigrafia) o simplemente las pintan o realizan directamente en gran número (y es aquí que la fotografía se convierte en un instrumento de trabajo ‘pop’ muy difundido): El ‘Pop Art’ no es más el arte de la obra irrepetible, pero, al contrario, la quiere reproducir lo más posible , tendiendo al infinito. Los ‘’artistas Pop” experimentan cosas nuevas: colores acrílicos, estampas, collage – más tarde, fotos Polaroid (Andy Warhol amaba el relámpago fortísimo del flash de su Polaroid, que le permitía de desglosar el sujeto en pocos elementos de base y en luces y sombras que luego, sobre lienzos, ensuciaba, renunciando a cualquier detalle realista).

La maestría de la mano del artista, aunque presente (la técnica de la serigrafia, por ejemplo, requiere mucha habilidad), se pone en segundo plano con respecto a la capacidad de concebir, y la idea misma de originalidad se subverte: la amplitud de el ‘Pop Art’ al mundo de la expresión artística es una sacudida muy fuerte – un enfrentamiento, en algunos trechos intelectualmente muy violento, Con los exponentes del Expresionismo abstracto, el trabajo de los cuales había dominado el posguerra americano. Los artistas ‘pop’, en el abstracto (difícilmente comprendido entre el público de masas, que es el destinatario – el objetivo – de su movimiento), prefieren el realismo y la imagen mundana, unida a fuertes dosis de ironía y espíritu crítico.

(American Pop Art a ‘Las calles de las fotos’, evento fotográfico edición de 2014, en Trieste. Los escalones, realizados en estudio, unen el Pop Art del artista americano Steve Kaufman (1960-2010) al retrato fotográfico moderno a través de la tecnología digital).

La posterior ‘Pop Art Photography’ – la de finales de los años noventa y los primeros años dos mil, que continúa hoy y que incluso encuentra nueva vida en iniciativas culturales de relieve – Búsqueda de canalizar, utilizando la creatividad y el ojo de hoy, hacia nuevos destinos la herencia procedente de artistas como Andy Warhol y Roy Lichtenstein. Editoriales, servicios, ropa y fotos de moda; o retratos – coloridos, intensos saturados una vez más de colores primarios que se mezclan los rasgos de los sujetos y las componentes de la arquitectura o de decoración que hacen de fondo. Fotos que recuerdan la maestría de los años sesenta, que ‘levantan el volumen’, que se atreven a más, cada vez más y que por eso asumen también los riesgos (visuales) de una denegación por parte del espectador. La idea de base que está detrás de el Pop Art es la de crear una forma de arte del significado instantáneo: una ‘fotografía del mundo’, por tanto, ¿que se convierte en arte?

Nada podría estar más lejos de el Pop Art el super-intelectualismo anterior y los lienzos sofisticadas tan amadas por los profesionales del arte mismos.

La idea más que la obra. Anteriormente, el núcleo de arte fue la obra en sí (la pintura, la escultura, la incisión…). Sin una ‘obra de arte’, no había arte, y la atención era la calidad del producto acabado y habilidades en realizarlo. Ya el Dadaismo se había opuesto a este y había celebrado ‘idea detrás de la obra, y los artistas ‘pop’ continuaron en este filón, centrándose sobre el impacto final del trabajo más que sobre la importancia de su realización. A veces esto fue interpretado como un intento de rebelión a las obligaciones impuestas – y ciertamente en algunos casos lo fue: muchos artistas ‘pop’ compartieron los ideales anti-artísticos y anti-estéticos de los primeros Dadaístas.

En general, sin embargo, el ‘pop’ fue más positivo del ‘Dada’, y se preocupó más de las creación de nuevas formas de expresión y del uso de nuevos métodos y de imágenes más que de denigrar a la tradición.

El fotógrafo Emmanuel Radnitzky, (1890 -1976) , conocido como ‘Man Ray’, se considerará, para el período en que opera, un puente entre el Dadaismo y formas de arte posteriores, aunque artisticamente no se puede insertar en una categoría específica o en un determinado movimiento. Man Ray permanece inclasificable: grabador, dibujante, cartografo formado en Nueva York, conoce la libertad expresiva y escapa a las técnicas académicas, adentrándose en la experimentación y en la vanguardia. (‘Man Ray’: en la Mostra a Villa Manin, Friuli Venezia Giulia)

Muchos artistas ‘pop’, sobre todo de segunda generación, como Steve Kaufman, rindieron homenaje al pasado y entendieron su obra como una contribución a la ‘Fine Art’ más que como una su negación.

El espejo de la sociedad. El Pop Art quería reflejar los valores sociales y el medio ambiente en que se desarrollaba, no socavares o destruirlos (no había, en los años de el Pop Art, la atmósfera de la masacre de la primera o de la Segunda Guerra Mundial y el consiguiente rechazo para ese tipo de sociedad). Y así, los artistas ‘pop’ se concentraban las preocupaciones de la mayoría de los americanos: comida, coches, sexo. Lo hacían utilizando imágenes fuertes y fuertemente satíricas, y -si eran criticados por haberlo hecho – podían permitirse el lujo de responder que no habían hecho otra cosa que tener en mano un espejo frente a la realidad que veían con sus ojos (un espejo puesto frente a la sociedad moderna – Un mundo preocupado por la búsqueda de la satisfacción material y comprometido exclusivamente en ella).

La fotografía, de nuevo, y finalmente. Como otros movimientos, la Pop Art fue una reacción a los convenios y los modelos impuestos. En particular, más arcana y más abstracto el arte se convertía, más se sentía la necesidad de algo distinto: así nacía, por esta necesidad, la oportunidad en que un nuevo estilo, figurativo y , pudiera abrirse camino en dos distintas generaciones – la primera, la de los precursores y de los pioneros portadores de nuevas ideas, y la segunda -la de quien desarrolló posteriormente los temas ‘pop’ junto al contemporáneo nacer de nuevos estilos.

Warhol fue un pionero del uso de la fotografía en el Pop Art y transformó las imágenes fotográficas tomadas por la publicidad y el periodismo en sus famosas obras en serigrafia. Sus fotografías sirvieron como punto de partida de una obra de arte en una época en que la foto no era considerada nada más que algo efímero, no puede vender y no es digno de atención en las galerías de arte.

 

Warhol convirtió el retrato fotográfico tradicional en algo mucho más cercano a la instantánea pura y simple que a la obra artística elaborada, diciendo: “Mi idea de una buena fotografía es la de una fotos misa bien a fuego que dibuja una persona famosa … yo no creo en el arte, creo en la fotografía”.

Es imposible, por lo tanto, hablar de fotografía en el Pop Art sin hablar de Andy Warhol; Tanto porque Warhol ha logrado hacer, indudablemente, a si mismo icono suprema de el Pop Art en medio de todas las demás iconos representadas- tanto porque las fotos de Warhol, profeta de la serialización de la imagen – tomadas con un aparato para cabina fotográfica, con una Polaroid, con una 35mm en negativo – son casi en todos los casos únicas, nunca reproducidas en gran escala y nunca reinterpretadas.

La fotografía, por otra parte, sigue siendo uno de los aspectos menos conocidos de su trabajo – y eso ya es extraordinario, si tenemos en cuenta lo del trabajo hecho por Warhol y sus asistentes se basa precisamente en ella.

“La razón por la cual dipingo de esa manera”, dijo durante una entrevista concedida en 1963, “es porque quiero ser una máquina”. A través de la fotografía Warhol pudo, en efecto, convertirse en algo muy similar.

La fotografía ‘pop’ – vista con los ojos de hoy – resulta sencilla, lineal, quizás carente de sorpresas, pero fascinante. Nos da una oportunidad de entender lo que, en la época, los artistas ‘pop’ tuvieran a experimentar con el medio y con la forma, y un modo para comprender la amplitud de sus intereses: las fotos hechas a las estrellas de Hollywood, a las hechas a los chicos y chicas de calle más bellas, a las aún tomadas para capturar las latas y las cajas de cartón y los objetos más comunes.

La elección de la Polaroid o las cámaras electrónicas 35mm hecha por Warhol destaca su tendencia, en la búsqueda de arte, a la utilización de medios técnicos avanzados (hacia el final de su carrera se acercará al ordenador), una búsqueda tensa quizás a menospreciar la importancia de la habilidad manual, así como el uso de las técnicas de serigrafia ya había neutralizado la maestría en el uso de la pincelada. Warhol fue sobre todo un artista que se confió a la máquina fotográfica como personal instrumento de registro de las emociones: una investigación del medio técnico perfecto, pero no la perfección técnica.

Sobre Warhol existen muchos mitos, los cuales se desprende la figura de un artista que necesitaba del contacto humano y que buscaba siempre algo con sus ojos, al punto de presentarse a casi todas las fiestas con la máquina fotográfica al cuello y llamarla a menudo ‘su chica’. Una ‘niñas’ con que creaba primeros planos, fotos sin fondo y retratos directos y fuertes de los rostros más conocidos de su tiempo – fotos a menudo consideradas, quizás en forma errónea – preparatorias para sus pinturas: John Lennon, Sylvester Semental, Dennis Hopper, Liza Minnelli, Diana Ross. Los transexuales de Nueva York. Sus mismos autorretratos. En su pintura, Warhol raramente incluía la presencia humana, mientras que en su fotografía la mediante continuamente y la venerada.

Los sujetos retratados en las fotos ‘pop’ a menudo son arrancados a su tiempo, y a su contexto: existen en un vacío casi perfecto, donde no significan nada más que en si mismos. El sujeto retrato es casi siempre atractivo, interesante, deseable – se convierte en casi un símbolo que halagar (de nuevo: un icono), un objeto de comprar en cuanto es conocido, famoso. Del mismo modo este sujeto es humanizado, entregado a cerca de quien mira a través de algo – un elemento gráfico, un color – que le arranca las luces del escenario y lo proyecta en el periódico, en una comparación entre el mito inmortalizado en fotos y la persona que miraba poco antes en el objetivo.

(Georges Chamoun, Iconatomy)

Y, si nos pensamos bien: aunque las fotos de ‘pop’ tomadas por los artistas que siguieron a la manía de Andy Warhol de ir a todas las fiestas con una Polaroid al cuello acabaron con el ser utilizadas como material preparatorio para un retrato o para una obra experimental, como por ejemplo los mosaicos de escalones Polaroid – y por tanto, si la obra realizada se convirtió luego fácilmente reproducible, incluso en masa – cada escalón que la había inspirada permaneció siempre único y fuera de alcance, como único y fuera de alcance, es cada retrato fotográfico. En particular en el caso de las Polaroid, que no tienen negativo y que no pueden ser reimpresas.

El fotógrafo ‘pop’, dedicado a aislar, extraer su sujeto del contexto en lugar de a componer su fotos armonizando el sujeto con el contexto, fue más de cualquier otro protagonista, dedicado a estudiar, fomentar el sujeto, hacerlo reclinar buscando el mejor ángulo – y fue presencia tangible. Estas fotografías no eran el producto de una mente desinteresada que creía que para crear arte bastara pulsar el botón de disparo; eran la expresión de ojos que sabían que una máquina fotográfica puede celebrar la fama y retenerla para siempre.

Hoy, como entonces.

Roberto Srelz © centoParole Magazine – reproducción reservada.

[traduzione in spagnolo: Ciro Carmine De Stefano – Scuola di Interpretazione e Traduzione CIELS – Gorizia]